Tengo un viejo amigo, uno de mis mayores, con quien crecí viendo películas. Específicamente, películas de terror. Era lo nuestro. Desde 1935 La novia de Frankenstein (en la televisión de los 60), a películas nuevas, revolucionarias y controvertidas como Noche de los muertos vivientes en nuestro complejo único local alrededor de 1970 (cuando ambos teníamos sólo once años y apenas estábamos preparados intelectual o espiritualmente para ver a los muertos vivientes comiendo despojos), consumimos tanto como pudimos. También compramos regularmente la revista. Monstruos famosos de Filmland . Como resultado, fuimos fácilmente los niños más populares en nuestra escuela primaria de Dumont, Nueva Jersey.
Y ambos estábamos muy desanimados, como adultos, en el aparente renacimiento del horror que vimos (o tal vez deberíamos decir que presenciamos) en los primeros años, particularmente, sí, en el Sierra franquicia. Mi amigo trabajó en una tienda de videos, hasta el final de las tiendas de videos, y como fanático del terror residente en su punto de venta de Tower Records, estaba acosado por clientes más jóvenes entusiasmados con Sierra y otras imágenes, y ponía los ojos en blanco.
I gustó películas de terror, decía. Pero no me gustan estos. Si bien nuestro propio parche de cielo cinematográfico tenía espacio tanto para los clásicos de la vieja escuela como para los herederos de Romero (que ciertamente no era el caso de las personas mayores que nosotros, que lamentaban la terrible violencia de las películas más nuevas), cosas como Sierra Fue donde trazamos la línea. Así como los expertos del género rock condenarían el falso metal, pensamos que este nuevo material era Faux Grindhouse.
El grindhouse. Es decir, o más bien era, una sala de cine algo menos que una primera ejecución que albergaba platos chillones como Noche de los muertos vivientes y la avalancha de películas que siguieron. No solo una ubicación ambiental, sino un estado de ánimo. Una estética, por así decirlo. Uno apreciado, como sabemos. por gente como Rodríguez, Tarantino, Roth y otros, pero rara vez recapturados.
Si tiene acceso al Criterion Channel, ahora puede, a través de su Colección Horror de los 70 , obtenga una buena, considerable y a menudo inquietante dosis de auténtico horror de grindhouse.
Que a pesar de la sabiduría convencional que también lo llama cine de explotación, no siempre fue creado por creadores de películas que adoran a Moloch complaciendo al mínimo común denominador. Directores como David Cronenberg, Bill Gunn, Wes Craven, Larry Cohen y otros, todos representados en el festival de terror de los años 70 bien curado de Criterion Channel, tomaron su prerrogativa de bajo presupuesto para investigar temas transgresores y señalar, aunque a veces camuflados, declaración no solo sobre la sociedad contemporánea, sino también sobre la condición humana.
Estos cineastas ni siquiera fueron los más grindhouse de los autores de grindhouse de los setenta. Hay todo un gremio de directores italianos, sobre todo Lucio Fulci, que llevó el cine sádico a nuevos extremos ultra-espeluznantes. Porque los años 70 también fueron notables por muchas películas de terror en las que la palabra Caníbal figuraba de forma destacada en el título. (Darío Argento, otro maestro del horror italiano, que hizo la primera, intocable falta de aliento y otros locos geniales, se encuentra un poco a la derecha de la mayoría de esos personajes). Estos elementos no forman parte del paquete Criterion. Lo que no quiere decir que las imágenes de aquí carezcan de morbo o tristeza. Tan inteligente como, digamos, las películas de Cronenberg Rabioso y Escalofríos son, son de ritmo rápido y están llenos de emociones viscerales. Son cuadros muy deprimidos y sucios.
Podría decirse que es en la deshonra y la oscuridad que las películas de terror de los setenta encontraron su base más sólida. 1974 de Tobe Hooper La masacre de la motosierra de Tejas fue hecho a bajo costo, filmado en una película de 16 mm, a diferencia del calibre 35 más grande que se usó para los productos de Hollywood, pero también estaba impecablemente diseñado. Rebosa de increíbles composiciones de tomas y movimientos de cámara, y tiene tanta confianza como para aumentar los sustos histéricos sin llegar a ser tan sangriento como sugiere el título de la película. (Lo que no quiere decir que finalmente no haya mucha sangre).
Foto: Colección Everett
Pero otro componente que dio Masacre gran parte de su poder radicaba en su oscuridad surgida de la nada. El elenco estaba formado por actores desconocidos. Quedarse atrapado en su historia (a pesar de que estos niños post-hippies que buscaban un estanque no eran muy agradables), se involucró en su destino. Y no tenías vínculos ni asociaciones con ellos para darte una pista sobre lo que sucedería. En el remake de 2003 de la película, la actriz principal era Jessica Biel. Esto hizo que el TCM Eslogan original, ¿Quién sobrevivirá y qué quedará de ellos? tipo de académico.
Al observar los diversos remakes de las películas de esta colección de Criterion (más de media docena de las 23 imágenes se han reiniciado o se ha secuela de algún tipo), está claro que incluso las mejores están afectadas por una autoconciencia que sirve como una especie de recorte de alas creativo.
De 2019 Rabioso , escrita y dirigida por Jen Soska y Sylvia Soska, un talentoso equipo de cineastas canadienses, a menudo se presenta como un homenaje abierto no solo a la película de 1977 de Cronenberg, sino al hombre y a todo su trabajo de género. En un quirófano, por ejemplo, los médicos visten llamativas túnicas de color rojo brillante, tal como lo hicieron los ginecólogos gemelos de los hermanos Mantle en Cronenberg de 1988 Timbres muertos .
En el original Rabioso , que eligió a la estrella porno Marilyn Chambers en el papel principal (y presenta desnudez de ella, aunque en un registro muy diferente al que fue el caso en Detrás de la puerta verde ), la protagonista Rose es una especie de cifra, aunque atractiva. Ella adquiere una variación de la condición del título después de una cirugía reconstructiva luego de un accidente de motocicleta que lo desfigura.
La visión que Cronenberg tiene del personaje es de un desapego casi clínico. Las hermanas Soska adoptan una perspectiva de afinidad y empatía femeninas. Aquí, Rose es una tímida diseñadora de moda despreciada y abusada por sus colegas, incluido el jefe Gunther, cuya línea de ropa se llama Schadenfreude. (Lo interpreta Mackenzie Gray, que parece estar canalizando a Tommy Wiseau, no la mejor idea en este contexto. Pero también pronuncia una línea en la que los cineastas parecen estar contando un poco sobre sí mismos: ¿Por qué seguimos recreando nuevas tendencias? )
Pero una vez que Rose (aquí encarnada por Laura Vandervoort) se transforma, los Soska evitan una venganza del escenario alhelí a favor de una investigación ligeramente elaborada sobre las ideas cronenbergianas que han encontrado un pie en el mundo real, incluida la noción de transhumanismo.
Es interesante y atractivo hasta cierto punto, aunque con demasiada frecuencia en algunos detalles. (Nombrar al cirujano transhumanista William S. Burroughs es casi imperdonable, incluso si la gente le ha mostrado respeto al escritor visionario usando el identificador de su personaje característico, el Dr. Benway, más veces de las que uno puede contar). repetición de la notoria mordaza de Santa del centro comercial del original, no hay nada en la película que proporcione algo como una sorpresa.
Y ahí está el problema. La astucia y la imprudencia de la visión temprana de Cronenberg (y esto también se aplica a la de 1975 de Cronenberg Escalofríos , cuya escandalosa premisa es Noche de los muertos vivientes , solo qué-si-caliente-en-lugar-de-caníbal) todavía puede inquietarte de una manera que esta imagen no lo hace.
El 2019 Navidad negra , la tercera película de ese título, después de la foto de slasher canadiense de 1974 (que está en el festival Criterion, y NO es un Santa es el elemento asesino, puede que estés pensando, más bien, en 1984 Noche de paz, noche de muerte , o de ese episodio de Joan Collins en 1972 Cuentos de la Cripta ) es también un escaparate para el talento cinematográfico femenino. Está dirigida por Sophia Takal a partir de un guión que coescribió con la astuta crítica April Wolfe. La plantilla de un campus universitario acechando al asesino en serie se ajusta a una sensibilidad feminista. Las protagonistas, lideradas por Imogen Poots, son hermanas de la hermandad de mujeres que luchan contra la agresión sexual y la cultura de fraternidad súper patriarcal. Su diálogo doméstico presenta líneas como si no pudiera encontrar mi taza de diva.
Pero mientras Takal es excelente Película de 2016 Siempre brilla fue una exploración galvánica de la amistad femenina que se volvió tóxica, Navidad negra se adhiere a arquetipos positivos. Eso no es algo malo en sí mismo, pero cuando se hace tan laboriosamente como aquí, produce una historia cuya resolución es tan predecible como cualquier producto impulsado por una empresa. Si bien la realización cinematográfica tiene un sentido de propulsión encomiable, la ausencia total de ambigüedad lo convierte en una experiencia poco resonante. Aunque la suplantación de Roddy MacDowell de Cary Elwes es digna de mención.
El crítico veterano Glenn Kenny analiza los nuevos lanzamientos en RogerEbert.com , el New York Times y, como corresponde a alguien de su avanzada edad, la revista AARP. Escribe en blogs, muy ocasionalmente, en Algunos vinieron corriendo y tweets, principalmente en broma, en @glenn__kenny .