'Annette' está obteniendo respuestas apasionadamente divididas de la audiencia, no completamente diferente ... ¿El trabajo de Andrew Lloyd Webber?

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en un Ensayo 2015 por LA Weekly , la crítica Amy Nicholson cita a su ex editor Steven Leigh Morris diciendo que la diferencia entre una obra de teatro y una película es que un actor en un escenario puede decir: '¡Escucha, ahí está el castillo!' y salirse con la suya señalando una caja de cartón. . Ella menciona esto a modo de gritar a los que se ríen desagradables en las proyecciones de repertorio retro, burlándose de los valores de producción más crudos en una película de serie B de los sesenta que pasaría desapercibida en el cine. La versión resumida de su punto es que los diferentes medios artísticos vienen empaquetados con diferentes conjuntos de expectativas, y que cuando una película se atreve a cruzar esas líneas tomando prestado de otras disciplinas, la respuesta puede variar desde la reverencia hasta poner los ojos en blanco. Ella estaba hablando de Mario Bava Hércules en el mundo embrujado , pero su colapso fácilmente podría reutilizarse como un punto de entrada al enigma audaz, profano y polarizador que es Annette .



El último largometraje de Leos Carax ha atraído la respuesta apasionadamente dividida por la que siempre lucha, con gritos de genio disonantes contra las acusaciones de incoherencia, turgencia y pretensión. El director usó la palabra P él mismo en un reciente New York Times perfil , afirmando que si vas a hacer un musical, tienes que ser ambicioso o pretencioso y que su audiencia no debería quedarse con preguntas y respuestas, sino preguntas y más preguntas y dudas. Nadie puede culpar a una persona por estar alienada por delitos de alienación deliberada, pero en algunos casos, también existe una negativa preocupante a reconocer los movimientos más confusos como elecciones dramáticas volitivas informadas por una lógica creativa poco ortodoxa. No es un paso en falso que apenas haya comedia en el acto del comediante Henry McHenry, o que su hija sea una marioneta animatrónica chiflada. Carax pide la suspensión voluntaria de la incredulidad que nos reservamos para otras formas y, a cambio, él es.gif'attachment_1001636 '>

Foto: Amazon Studios



Con su ultima pelicula motores Santos , Carax abrió el aparato de la película para exponer los mecanismos internos, siguiendo a un hombre con una profesión de actor mientras se maquillaba, se vestía y modelaba un trabajo de captura de movimiento digital. Después de casi una década, está filtrando ese impulso deconstructivo a través de la ópera, el teatro y el arte escénico. Esas tradiciones artísticas legan su registro acentuado a cada pieza de la película, desde la trama desnuda hasta la música nudosa y autorreferencial aportada por el dúo favorito de culto Sparks. El temperamento sarcástico en el trabajo de Ron y Russell Mael colorea este sentimiento fuera de lugar; el coro griego de segmentos recurrentes de la ridícula imitación de TMZ Show Biz News, que parece que fueron lanzados junto con iMovie, lo deja claro. En su incisivo revisión a Tiro inverso Juan Barquín resume pulcramente la farsa táctica. Todo en [la] película está diseñado para recordarle a la audiencia que sus personajes existen dentro de una producción. Aquí, el carácter abierto de la palabra producción da paso a la pregunta de qué tipo, a la que Carax no ofrece una respuesta única.



trenes aviones y automóviles

Los contornos narrativos de la película, compuestos de elevados gestos significantes en lugar de comportamientos humanos realistas, sugieren dos influencias coexistentes al emparejar el cómic de choque del Mono de Dios Henry McHenry (Adam Driver, tomando como referencia el trabajo colectivo hostil de Chris Rock y Bill Burr) con La soprano de renombre mundial Ann Desfranoux (Marion Cotillard) en un romance condenado. Son diametralmente opuestos: ella divierte a sus multitudes muriendo, donde él 'mata' a las suyas divirtiéndolas, mientras que al mismo tiempo se une a la franqueza e inmediatez de la actuación en el escenario. En lugar de permitir que un espectador observe pasivamente, involucran a sus espectadores al penetrar la cuarta pared, explícitamente para Henry y emocionalmente para Ann. Carax y los hermanos Sparks hacen lo mismo, abordando a sus espectadores cautivos en el número de apertura So May We Start. En largas tomas, Carax, su hija y el elenco se reúnen para pasear por una manzana de Los Ángeles mientras anuncian la naturaleza del entretenimiento de la noche con citas de miedo. Así que cierra todas las puertas y comencemos el espectáculo / las salidas están claramente marcadas, creo que deberías saberlo, dice un guiño de advertencia.

Desde el principio, Carax desafía las convenciones al jugar con la dimensionalidad de una manera que no solemos ver en las adaptaciones escénicas, que tienden a aproximarse a la planitud del proscenio con contención a puerta cerrada (como en Carnicería , para uno) o marcadores rígidos (como en Dogville ). Annette El entusiasta abridor se mueve libremente fuera de las habitaciones, bajando escaleras y por las calles, enmarcando una perspectiva modificada de nuestro reconocible mundo real. Para todas las pinceladas de fantasía por venir, existe una conexión lúcida con el momento actual, que se hizo evidente en el empujón de la relevancia de #MeToo cuando Ann sueña con que su esposo sea cancelado por conducta sexual inapropiada en la canción posterior Six Women Have Come Forward. Pero antes de todo eso, Carax despliega su preludio en el sentido clásico, presentando los temas clave que vienen de la misma manera que, digamos, el primer número de Sweeney Todd .



Aunque el creador de ese programa, Stephen Sondheim, recibe un agradecimiento en los créditos, las técnicas de Carax también recuerdan al otro titán del teatro musical moderno, Andrew Lloyd Weber. Las similitudes con su ópera rock Jesucristo superestrella , en particular el contencioso juicio de Cristo ante Pilato, son abundantes y sorprendentes. En términos de historia, el rechazo de Cristo a su propia celebridad una vez que su público antes adorado se vuelve contra él refleja la caída en desgracia de Henry casi exactamente. La cadencia de la música también corresponde a este espíritu de oposición, enfrentando a Henry contra sus espectadores en un furioso dueto de ida y vuelta. (Los gritos cantados de ¿Por qué te convertiste en comediante, Henry? Suenan como el estribillo burlón de los romanos de ¡No tenemos más rey que César!) Por encima de todo, las dos obras comparten una atmósfera de conspicua magnificencia, bajo la cual cada gran- torres de escena que la vida con seriedad.

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La trascendencia inherente de la ópera puede crear un choque desorientador cuando se combina con material de escala más mortal, un hecho frecuente en una película que aborda las trampas de la fama del siglo XXI. Mucho se ha hablado de la balada We Love Each Other So Much, en la que Henry y Ann se dan una serenata mientras se encuentran en un congreso sexual cambiante. Con la novedad de un primer visionado, la visión de la cara de Driver saliendo de entre las piernas de Cotillard para cantar unos compases ataca lo absurdo. Sin embargo, tras una segunda visualización recomendada de todo corazón, el humor aparentemente inevitable se desvanece, reemplazado por una sinceridad temblorosa. Lo mismo ocurre con la propia bebé Annette, cuyo estado de marioneta pasa de desagradable a conmovedor una vez que su padre comienza a explotar y capitalizar su capacidad para cantar, trabajando implícitamente sus cuerdas. Esta delicada negociación entre el tono y el tema me recordó a John Adams Nixon en China , en el que Mao y Tricky Dick tocan las notas altas mientras establecen mitologías nacionales. New York Times El crítico de música Donal Henahan tuvo dificultades para tomárselo todo en serio, despidiendo la ópera emblemática como una pelusa y digna de algunas risitas [.]

Todo en lo denso, seductor Annette tiene más sentido dentro del contexto de la ópera, en particular la banda sonora serpenteante y sin golpes de los pies de Sparks que ha tocado a algunos de manera incorrecta. Sin embargo, así como los Maels han mantenido una carrera activa durante cinco décadas gracias a la devoción de su pequeña y dedicada base de fans de culto, la película de Carax ha encontrado partidarios en sintonía con su extraña combinación de estilos y modos. La familiaridad con las propiedades únicas de varias formas de arte ayuda a la apreciación, pero todo lo que realmente se requiere es una mente abierta sobre cómo deberían funcionar las películas. En cualquier caso, las costuras están destinadas a mostrarse. Carax llama la atención sobre lo irreal y nos invita a seguir donde nos lleve. La recompensa por nuestra buena fe es una película diferente a todas las anteriores, para la cual la etiqueta de película es casi insuficiente. Es una nueva raza mutante de imágenes en movimiento, que desafía a su audiencia a evolucionar junto con ella.

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Charles Bramesco ( @intothecrevassse ) es un crítico de cine y televisión que vive en Brooklyn. Además de RFCB, su trabajo también ha aparecido en el New York Times, The Guardian, Rolling Stone, Vanity Fair, Newsweek, Nylon, Vulture, The A.V. Club, Vox y muchas otras publicaciones con poca reputación. Su película favorita es Boogie Nights.

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